Giovanni: «Художником рождаются, и ничто не в силах помешать быть им»

24 января в Москве открывается выставка художника Giovanni «Автопортрет в пейзаже». В преддверии этого события мы поговорили с Иваном Юрьевичем Рытовым (Giovanni — псевдоним художника), членом Творческого союза профессиональных художников и Международного художественного фонда, о его творчестве.

-Вы много рисуете Зеленоград. Москву также можно встретить на ваших картинах. Что вас связывает с этими местами?

-В Москве я родился. В Зеленоград наша семья переехала, когда мне было пять лет. Это событие детства в памяти отложилось как великое обновление, как граница между ранним детством и не очень ранним. В первые годы переезда мы, дети, с поощрения родителей, говорили о новом местопребывании как о "Нашем Красавце Зеленограде". С детства мне приходилось слышать слова знатоков, что Зеленоград - шедевр градостроительства. В принципе я считаю так и сейчас. Стиль архитектуры, характерный для эпохи основания Зеленограда, здания-представители которого можно встретить и в Москве, я называю "зеленоградским". Но сказать, что именно исключительное место Зеленограда в истории архитектуры сыграло роль в том, что я рисую этот город, нельзя. Скорее, это совпадение. Истинная же причина лишь в том, что я живу в нём и постоянно вижу перед собой. Эту мысль подтверждает и то, что и Москве, в которой мне приходится бывать, я отдаю и внимание, и сердце, посвящая ей некоторые свои работы. Да, не только на картинах, посвящённых Центральной площади или Михайловскому пруду (Зеленоград), можно встретить героев "Властелина Колец", но и на картине, описывающей центр НЦПЗ на Каширской. То есть муза витает везде. Что вижу, то пою.

-Расскажите о вашей семье. Были ли у вас в роду художники?

-Знаю, что во мне течёт кровь разных народов: евреев, русских, украинцев, литовцев, татар. Мой отец - во многом выдающийся человек, среди талантов которого не последний - художественный. В моих глазах он - столп культуры, подобный таким личностям, как Савва Мамонтов и Максимилиан Волошин. С первым его сближает умение покровительствовать искусствам и распознавать таланты, а со вторым - широта взглядов и интересов, и ещё - нескучная (!) дотошность в художественном изображении города, среди переулков и площадей которого родился его талант. Его эпопею графических миниатюр, посвящённых Москве, насчитывающихся более пятисот, я бы сравнил с эпопеей акварелей Волошина про Киммерию.

-Какие материалы вы предпочитаете использовать в работе над картинами?

-Я с детства не очень расположен к краскам, всех видов. Мне милее мелковые и карандашные материалы. Между мелком и картиной нет посредников и буферов в виде кисти, воды, тряпки, палитры, возня с которыми, на которую уходят силы, предназначенные для творчества, приносит мне острую душевную боль. А тут - берёшь мелок нужного цвета и крась себе. Главный материал в течение основного периода моего творчества - это масляная пастель. Она может подражать и масляной живописи, и каким-то народным и религиозным техникам: изразцам, майоликам, иконам. С ней всегда весело. Само расположение мелков в коробке подобно клавишам звучащего музыкального инструмента. На идеальной основе для масляной пастели - доске ДСП - я тоже остановился довольно давно. Помимо ладного взаимодействия соприкасающихся материалов, тут сыграла роль моя тяга к декоративному восприятию картины. Тяжёлая доска - это как часть стены, а истинная роль живописи, по Пюви де Шаванну, - одухотворение стен. Маленькая доска - это как вещь, к ней особый сентиментальный подход. Это как шкатулка, разделочная доска, или - икона.

-В каких направлениях вы работаете?

- Моё единственное направление - это продукт взаимодействия того, что я планирую сделать, и того, что делают мои руки. Планирую я смесь реализма, декоративизма и примитивизма, иногда - подражание художникам разных направлений и школ, но руки далеко не во всём слушаются меня, и это всегда к лучшему.

-Какие художники оказали на ваше творчество самое большое влияние? И кого вы назовёте любимыми художниками?

-Самое сильное влияние, пожалуй, на моё творчество оказало искусство Японии. И ещё - модерн. Они оба привели меня к доске как основе для картин. Картина как организатор пространства, картина как вещь - эти идеи берут начало там. Утончённость эстетического восприятия искусства. А постоянное стремление к техническим экспериментам берёт начало в искусстве символизма.

Европейскую живопись я начинаю воспринимать только с середины девятнадцатого века. Джеймс Эббот Мак-Нейл Уистлер и Клод Моне - мои главные кумиры. Первый восторгает меня своими "Ноктюрнами", второй - "Кувшинками". Как видно, я люблю не совсем то, что близко моему искусству. Но это и из-за несогласования головы и рук. Без доли хвастовства скажу, что меня нередко сравнивают с Ван Гогом, а мне по душе больше Гоген.

-Как вы считаете, нужно ли специальное образование, чтобы быть художником?

-Специальное образование для художника - великое благо, я считаю, но, к сожалению, не всем оно под силу. Нет, не нужно. Художником рождаются, и ничто не в силах помешать быть им.

-Что вас вдохновляет?

-Меня вдохновляет музыка, живопись, литература, философия, природа. Но главный источник вдохновения для меня - я сам. Я восторгаюсь героичностью моего рождения и предстоящей смерти. Я восторгаюсь историей моей жизни, своим настоящим, прошлым и будущим. Восторгаюсь тому, как все перечисленные сферы преломляются в моей душе и сознании.

-Как проходит работа над картиной? 

-Работа проходит совсем не так, как желается. Трудоёмко, хаотично. Лучше всего протекает ночью. Тишина, никто не движется вблизи тебя, не смотрит. И главное, не просто большой кусок свободного времени, а настолько большой, что и понятие времени отсутствует. Это важно, несмотря на то, что время работы - максимум два часа.

-Что приходит сначала: сюжет, образ, настроение, цветовая композиция?

-Как только в моей жизни появляется что-либо, что занимает меня, в любой области, совершенно в любой, - автоматически приходит идея картины на эту тему. И прежде всего, приходит тот её аспект, который больше работает на раскрытие темы.

-Переделываете ли вы свои работы со временем?

- Да, я регулярно просматриваю свой сайт - любование как последняя стадия создания картины - и решаю внести изменения. Когда долго, изо дня в день, из года в год любуешься собственным творением, какой-то дефект натирает взгляд и становится ощутимым. Нередко я вношу изменения в картины, которые уже побывали на выставке.

-Какие самые важные выставки у вас были? И насколько в принципе выставки значимы для вас?

-Выставки - болезненная тема для меня. Меня угнетают те великие затраты физических и моральных сил, которые вкладываются в них. Когда я готовлюсь произносить вступительную речь на вернисаже, не зная, сколько человек придёт и услышит её, я вспоминаю проповедника Беду, история которого вошла в основу одной из картин Николая Рериха. Он был слеп, а нерадивый ученик решил посмеяться над ним, сказал, что народ собрался слушать его. А дело было в горах. Закончив проповедь, Беда обратился с вопросом к несуществующим слушателям. И тогда камни, в изобилии лежащие вокруг, подали голос и поблагодарили проповедника. Так вот, я думаю, что если никто не придёт, стены выставочного зала услышат меня. 

-Как вы придумываете темы выставок?

-Мы пытаемся найти актуальный в данное время или в данном месте вопрос, под который бы ложилась та или иная сфера моей многогранной по тематике живописи. В Музее Серебряного Века мы выставили сначала мои картины, посвящённые поэзии Эмиля Верхарна, воспользовавшись столетием его гибели, потом - картины, посвящённые поэзии Максимилиана Волошина. В музее Скрябина у нас была выставка картин, основанных на музыкальных произведениях разных авторов. Так не всегда. Грядущая выставка не связана ни со временем, ни с местом. Она позволяет в особом ракурсе взглянуть на моё творчество, выявляет ту сторону в картинах, которая обычно второстепенна. Весной 2015 года была выставка картин, на которых присутствует текст. Это была свежая и весьма широкая тенденция в моём искусстве.

-Вы пишете картины под конкретную выставку и, соответственно, тему (скажем, как музыканты пишут песни для альбома)? Или картины - это всегда самостоятельные, отдельные произведения?

-Нет, работа никак не зависит от выставок. Темы я предпочитаю чередовать, чтобы ни одна из них не почувствовала, что я оставил её. Также в определённой пропорции, весьма впрочем свободной, чередую доски, оргалиты и холсты.

-Где можно увидеть ваши работы в ближайшее время? Расскажите о новой выставке.

-В обычное время очень рекомендую мой сайт, многокартинный, толково скроенный, регулярно обновляющийся. А сейчас нас ждёт выставка в музее Скрябина. "Автопортрет в пейзаже". Дело в том, что издавна на моих картинах появляется маленькая фигурка автора как своеобразный автограф. Она сообщает пейзажу эмоциональный драматизм. Служит печатью собственности для ландшафтов излюбленных прогулок и регулярных путешествий. Является посредником между зрителем и нередко присутствующей фантастической стороной пейзажа. Но сокровенная и главная цель присовокупления собственного образа к лику ещё только рождающейся картины - это дерзкая попытка запечатлеть свою личность в нетленных анналах великого царства природы, слава и великолепие которого пронизывают душу художника в процессе творчества.

Информация о выставке:

Где: Мемориальный музей Александра Николаевича Скрябина

Когда: с 24 января по 3 февраля 2019 г.

Адрес: Большой Николопесковский пер., 11, стр. 1

Музей открыт: ср. 11:00–19:00; чт. 13:00–21:00; пт.-вс. 11:00–19:00

Стоимость билета: 100 р. (билеты можно приобрести на сайте музея)

Информация по тел.: +7 (499) 241-19-01

Беседовала Мария Дебабова

Дата публикации: 23 января 2019, 20:34

Популярные статьи женского журнала Femmina.ru:

Алина Алгебраистова: «Я люблю жизнь, и это отражается в песнях»

Комментарии (0)